Hi Kaleena Stasiak!


What’s there to know about Kaleena Stasiak? I am from Toronto, Canada and am currently pursuing an MFA in Printmaking and Book Arts at the University of Georgia in Athens, Georgia. I like to travel and collect souvenir thimbles and spoons. Gold and double denim are important to me. My favorite sport is dependent on which Toronto team is winning. I love Drake but not more than I love Beyonce. Right now I’m reading critical theory and the Neapolitan Novels by Elena Ferrante.

 Why did you choose printmaking as a medium? In a world where technology advances faster than people can keep up with it, I believe it’s important to keep alive time-honored and long-established processes. Printmaking itself was once a major progress of industry and a democratic medium of mass communication. Its migration from religious, craft, and commercial uses to artistic ones makes it an ideal visual language for my work. This history also allows it a unique ability that I exploit to ironically reflect and illustrate the issues of today. I am drawn to the ritual and repetition of printmaking and the liturgy of its actions that become ceremonial and sacred. I am fascinated by the dichotomy between the intimacy with materials and the distance that is created by the use of technology. In combination with printmaking I also utilize an assortment of tactile media such as ceramics, textiles, and wood furniture to create immersive installations.


What is your work about (thematically)? My subject matter is grounded in craft and “women’s work” of the 19th and 20th centuries. I have an ongoing preoccupation with handmade household necessities such as quilts and doormats and their ability to reflexively represent the bodies that made them. My past work calls into question the taboo nature of death in our society and the human need to create and attach meaning to inanimate articles in order to make sense of the world around them. Currently I am exploring methods of history consumption as a way to address the relationship between the past, identity, and craft.

f4475e6a7d618190-lapleureuseI_website 48e565aa1d7d36af-lapleureuseIII_website

Can you tell us about your process? How do you work? My artistic practice engages in material and textual investigations both inside and outside of the studio. I approach research and art making through the lenses of artist, amateur historian, scientist, and cultural anthropologist. I find inspiration by poring over books in the library, going to museums and attending cultural phenomenon such as historical re-enactments. My materials are culled from craft stores, thrift shops, and antique markets. I explore themes and ideas by sifting them through the sieve of different mediums and processes.

a284b2e7523b3ffc-prints-26 c2d86bb35c5c68d1-prints-24 0f47610e8ff0e700-prints-25

What other artists are inspirations to you? My great-grandmother’s handmade quilts are constantly a source of inspiration. A professor from my undergrad, Sarindar Dhaliwal, still shines as the type of artist that I would like to become. I am influenced by the Feminist Artists of the 1970’s, their use of high and low materials, and the body as a sight of political activism. I love the way Sophie Calle thinks. Annette Messager, Kiki Smith, Louise Bourgeois, and Eva Hesse all serve as powerful examples in their manipulation of materials. I recently had the opportunity to assist Michi Meko, an artist from Atlanta whose work I adore, and I was invigorated by his methods and approaches to art making. For a more detailed account of artists whose work I find inspiring check out my tumblr.

More information about Kaleena Stasiaks work can you find here or through her Instagram: @girlwiththebangs


Hi Saar De Buysere!


Wat moeten we weten over Saar De Buysere? Geboren in 1972 en afkomstig van Zomergem. Ik woon in Ledeberg en heb een atelier in Gent. Naast beeldend Kunstenaar werk ik ook als illustrator (waaronder beeldboeken voor personen met een beperking en voor het kinderkledingmerk Baba) en ben ik leerkracht in de kunstacademie.


Waarom de keuze voor grafiek? Wat spreekt je aan in dit medium? Naast mijn opleiding Beeldhouwkunst volgde ik ook gedurende een 10 tal jaren het atelier zeefdruk in de academie van Eeklo, waar ik ook les geef (kunstexploratie). Daar heb ik na allerlei experimenten met het medium mijn weg gevonden in het werken met transparante inkten gecombineerd met potlood op allerlei materialen. Grafiek en in het bijzonder zeefdruk is een medium die mij toelaat bepaalde facetten van mijn beeldend werk op een andere manier te benaderen. Het evidente reproduceerbare van zeefdruk is een belangrijk aspect dat ik gebruik in mijn werk, net als planten, die regelmatig terugkomen in mijn werk. Niet als oplage maar gedijend op verschillende (onder)gronden en in composities. Ook het gebruik van kleur is iets dat ik leren kennen heb via zeefdruk, vooral het gebruik van volle, ruisende kleurvlakken.

Kan je ons wat meer vertellen over de inhoud van je werk? Ik ga van klassieke ideeën uit. In mijn op het eerste zicht huis-tuin-boom cultuur, werk ik als een stadsplanner, een architect van een ideale omgeving die streeft naar ontspanning, genot, uitwisseling en een laag energiepeil. Met betrekking tot het werk wordt niet in termen van schoonheid gesproken, maar het concept handelt over schoonheid: schoon bloemen een schone tuin, het werk is een middel om schoonheid te creëren.


Kan je ons wat meer vertellen over je werkproces? Ik vertrek meestal van een bepaald element: een bloemstuk, een portret, een berg. die zoek/vind ik in oude tijdschriften, oude schilderijen, postkaarten. Dat element verwerk ik, reproduceer (met carbon, zeefdruk, kalk…) en breng het samen met eerder gevonden elementen. Het ene werk is een gevolg van het vorig, soms letterlijk soms figuurlijk.

Wie inspireert je?
Mijn leerlingen, die mij leerden gommen. Rommelmarkten

zustersWelke grafische kunstenaar moeten we zeker leren kennen?
Pierre-Joseph Redouté. Botanisch tekenaar die de stippelgravure perfectioneerde en regelmatig tentoongesteld in menig woonkamer.

Hi Michael Benedetti!


Three Dimensions of Ochre, 2016

What’s there to know about Michael Benedetti? I’m 31 years old and a Capricorn. I was born in Pittsburgh, Pennsylvania and was supposed to be born on Christmas Day but I was three weeks late. My favorite foods are burritos, sandwiches, spaghetti, and avocado. I collect books, small antiquated cardboard boxes, and I watch way too many movies. I like cats.

Why did you choose printmaking as a medium?
I have always been drawn to two-dimensional work and I have been drawing, in some form or another since I was 4 or 5 years old. As I grew older, I became interested in architecture as well as functional objects such as furniture and machinery. Anything that was comprised of multiple components working together to create a larger object or action. So when I took my first printmaking class in 2006 I was attracted to the process-based form of 2D image creation. This way of creating an image provides me with a foundation, something to start with – a process or set of tools or, most importantly for printmaking, the matrix – and that makes it easy for me to work because as we all know, starting can be the most daunting part of the creation process. But most importantly, I have always seen printmaking as an art form that provides the most potential to create something unique, something awe- inspiring and fascinating. There is a lot of mystery in printmaking and no matter what process I use I am always surprised and intrigued by the outcome.


Black Tooth Table Top, 2016

What is your work about thematically?
My work is about space, architecture, and design and how those subjects play a role in the systematic construction of an object, idea, or image. A system is simply a process with an input and an output. In most cases, the output is then fed back into the system as the input and the process repeats, constantly creating variations of the initial idea or image. This fascinates me and provides a very specific way of creating a work of art. I am also very interested in creating something that looks good, something attractive. I use my interest in systems to create an image that you are initially pulled to aesthetically but once you begin to interact with and experience that image you begin to see that there is a conceptual framework hidden underneath.


Can you tell us about your process? How do you work?
My process is rooted in challenge. Challenging myself physically as well as conceptually. With everything I create I am constantly trying to see how well I can create something. I treat my process like a job, I clock-in and clock-out every day. This helps me plan and compartmentalize what I want to do in the studio each day. I create lists of tasks for myself based on the logical deconstruction of what it would take to create something – a sculpture, carving a woodblock, preparing stencils for screen printing, etc. – whatever I want to do in the studio needs to be listed at the beginning of each day and crossed off the list by the end of the day. Even though each day the list keeps getting longer and less and less tasks get crossed off…Regardless of that, as long as I’m constantly moving, thinking, creating, and challenging myself then it’s a successful day in the studio.


Three Outta Three, 2015

What other artists are inspirations to you? And who would you recommend for this little interview?
I am influenced by a wide range of artists as well as architecture, design, and comic books. Sol Lewitt and Mel Bochner have been very influential on my work for the last two years. Their use of systems has informed my perspective on art making and how images and ideas can be dissected into smaller parts which have just as much potential as the sum of those parts, if not more so. Donald Judd’s prints are amazing. James Jean and Mike Mignola are great artists and represent my love of illustration and comic book art. Frank Lloyd Wright and Charles Rennie Mackintosh are two architects/designers that have had a profound influence on my aesthetic and are solely responsible for my love of geometry and Arts and Crafts objects and architecture.

I recommend two amazing individuals: Kaleena Stasiak and Katherine Miller. Both are fantastic artists and are doing some very interesting and great things with printmaking. If you can, email/interview both of them but if you can only choose one then that’s up to you… If you want to know more about them I would love to talk for hours and hours and hours about them.

Meer info over Michael Benedetti vind je hier.

De tentoonstelling in Kamer 108 loopt nog tot en met 20/12. De tentoonstelling wordt afgesloten met een lezing die Michael zal geven over zijn werk en een finissage om 19u in de Academie voor Beeldende Kunst DKO Gent, Offerlaan 3, 9000 Gent.





Binnen twee weken opent in het 21st Century Museum for Contemporary Art te Kanazawa, Japan de tentoonstelling WEWANTOSEE.

32 beeldende kunstenaars, steeds op één of ander manier verbonden met Gent of Kanazawa, tonen er hun werk. Een doorsnede van wat leeft in beide steden. Onbekend, bekend, figuratief, non figuratief, groot, klein, alles kan…

Van de 16 Gentse kunstenaars zijn er maar liefst 5 geselecteerd die met de Academie voor Beeldende Kunsten -DKO- Gent verbonden zijn. Cêline Butaye (leerkracht Tekenkunst en Mixed Media), Isa D’hondt (student Mixed Media), Cindy Morlion (student Vrije Grafiek), Dieter De Lathauwer (oud-student Fotokunst) en Marnix Everaert (leerkracht Vrije Grafiek).

De keuze van de Gentse kunstenaars gebeurde door een Japanse jury, Een Gentse jury selecteerde de Japanse kunstenaars.

Van harte dank aan Lizzy Pauwels (directeur van de Academie) en Daan Rau (redacteur Openbaar Kunstbezit in Vlaanderen) voor hun enthousiasme en bijdrage aan dit gebeuren!



Hoe wordt Japans papier eigenlijk gemaakt? Waarom is Japans papier zo speciaal? Waarvoor wordt Japans papier gebruikt in de grafiek? Kan je op Japans papier printen?

Heb je altijd meer willen weten over Japans papier? Dan biedt de afdeling Vrije Grafiek van de Academie voor Beeldende Kunst Gent DKO je een uitzonderlijke kans!

Op maandag 25 januari 2016 hebben we de Japanse papierfabrikant Awagami op bezoek in onze academie. Awagami is reeds meerdere jaren actief als fabrikant van Japans papier op de wereldmarkt en de Belgische markt en staat gekend om zijn goede kwaliteit en oog voor innovatie. Daarnaast speelt deze fabrikant een voortrekkersrol in het promoten van de Japanse traditie van papier maken buiten de Japanse landsgrenzen.

Awagami komt speciaal naar onze afdeling Vrije Grafiek om een lezing te geven over hoe Japans papier tot stand komt en om hun papieren aan ons voor te stellen. Maar we zouden deze dag ook graag openstellen voor iedereen die interesse heeft in Japans papier en vrije grafiek.

Daarom organiseren we een heus Awagami-evenement! Op maandag 25 januari 2016 kan je genieten van een lezing en 3 demo’s met Awagami-papier en dit volledig gratis! Maar er is nog meer! Aya fujimori, de dochter en rechterhand van de grote baas zelf zal samen met haar man aanwezig zijn om op deze dag al je vragen te beantwoorden i.v.m. Japans papier.

Wat moet je doen? 
We organiseren 2 maal dezelfde sessie. Op het programma staat een inleidende lezing en 3 demo’s, nl. Japanse houtsnede, chine collé en printen met inkjet op Japans papier. Er is een sessie in de namiddag en ’s avonds. Hieronder vind je meer informatie over de verschillende opties om in te schrijven, samen met de link:

Optie 1  - Volzet
14u: lezing, vragen en korte pauze
15u30: Start demoparcours:
1. Japanse houtsnede
2. Chine collé
3. Printen op Japans papier.
Elke demo duurt 30 minuten
17u15: einde

Optie 2 - Volzet
18u: lezing, vragen en korte pauze
19u30: Start demoparcours:
1. Japanse houtsnede
2. Chine collé
3. Printen op Japans papier.
Elke demo duurt 30 minuten
21u15: einde

Optie 3 - Volzet
Enkel de lezing van 14u.

Optie 4 – Volzet
Enkel de lezing van 18u

Beide sessies zijn volzet dus is inschrijven niet meer mogelijk.