Categorie archief: Websites

Utagawa Hiroshige – 100 vermaarde zichten op Edo

Adelaar

Naast Katsushika Hokusai (met de iconische houtsnede The Great Wave of Kanagawa) is Utagawa Hiroshige (1797-1858) één van de meest bekende 19de eeuws Japanse kunstenaars die  een grote invloed hadden op de laat 19de eeuwse Westerse kunst.

Misschien staat Hiroshige wat in de schaduw van Hokusai maar dit is onterecht. Hokusai was weliswaar een inspiratiebron voor Hiroshige maar het mag gezegd dat Hiroshige het landschapsgenre op een eigen en boeiende wijze verder heeft ontwikkeld.

De weg naar de bekendheid was lang. Hiroshige kwam uit een familie van brandweerlui die werden verondersteld om het Edo kasteel te vrijwaren van brand. Leven van zijn werk was niet makkelijk en het was duurde tot 1832 dat Hiroshige zich kon losmaken van zijn job als brandweerman.

Als meester in de ukiyo-e wist hij met de publicatie van De 53 halteplaatsen van de Tōkaidō roem te vergaren. De 53 plaatsen zijn halte’s op de weg Tōkaidō, dit is de belangrijke weg die Edo (oude naam voor Tokyo) en Kyoto verbind. De serie was erg succesvol in een land waar toerisme op dat moment werd ontdekt. De reeks is dan ook een soort kroniek van het leven van de reizigers op deze weg die 490 km lang is en die Hiroshige in werkelijkheid ook bereisde.

Fireworks 2100_views_edo_098De 100 vermaarde zichten op Edo, een reeks werken die het 19de eeuws Tokyo als onderwerp hebben werden razend populair. Doordat het drukken en uitgeven van prenten in het 19de eeuwse Japan evolueerde naar een ware industrie was er van een bescheiden oplage (zoals voordien het geval was bij ukiyo-e prenten geen sprake meer. Hiroshige kon nauwelijks aan de vraag voldoen… De werken waren zo gegeerd dat ze heruitgegeven zijn in 3 extra verschillende oplages. Vandaar dat je dezelfde prent in compleet andere kleuren kan aantreffen op verschillende websites.

Hiroshige_Van_Gogh_1 schaalDe stijl van Hiroshige kenmerkt zich vooral door het gebruik van uitgesproken verdwijnpunten, de thema’s die vooral verbonden zijn aan de seizoenen en de levendige kleuren. Het werk van kunstenaars zoals Hiroshige heeft een grote invloed gehad op de Franse Impressionisten (Monet) en vooral op Van Gogh, die ook werk van Hiroshige bezat. Twee van de werken zijn door Van Gogh vrij realistisch nageschilderd, gekopieerd zou te veel gezegd zijn. In het voorbeeld hierboven zie je links één van de originele prenten die Van Gogh in zijn bezit had en rechts de door hem geschilderde interpretatie.

100 vermaarde zichten op Edo kan je hier bekijken op de website van het Brooklyn Museum in NY. Ze zijn opgedeeld volgens de seizoenen en de vergrotingen hebben een extra vergrootglas ingebouwd. Maar het summum om de Edo prenten tot in de kleinste details te bekijken vind je op de website van de National Diet Library in Japan. Helaas is de site volledig in het Japans opgesteld. Via de link hier kom je op de betreffende bladzijde waar alle werken zijn verenigd. Links vind je een kolom en door te klikken op ieder titel waar een [1] achter staat kom je op één van de prenten uit de reeks. Je kan via de schuifbalk de prent tot in de kleinste details vergroten.

jpegOutput    100_views_edo_099    Edo rain    Vis

Art in Print – tijdschrift over grafiek

Jürgen Partenheimer - Folded Spirits

Jürgen Partenheimer – Folded Spirits

Art in Print is een Amerikaans tijdschrift dat volledig focust op grafiek in de beeldende kunsten. Veel tijdschriften die dat doen zijn er niet op de markt  en het is altijd fijn om te zien dat wat er tijdschrift verschijnt dat van een hoog niveau is. Dat kan ook niet anders als je artikels geschreven worden door auteurs die werken in het MoMA – New York, Louvre – Parijs, Christie’s, Yale, Victoria and Albert Museum London,

De artikels richten zich op zowat aller terreinen waarin grafiek kan gebruikt worden en veel uit soms wat onverwachtse hoek.

Naast een gedrukt tijdschrift is er ook de website waar je belangrijke info kan vinden met betrekking tot tentoonstellingen, publicaties, edities, een selectie uit artikels verschenen in het tijdschrift, …

Abonnees krijgen toegang tot een uitgebreide site waar je alle artikels verschenen in het tijdschrift kan raadplegen als een PDF. Ja kan inzoomen om zo het werk beter te bekijken en je krijgt gedurende een jaar de zes nummers van het tijdschrift tweemaandelijks opgestuurd.

Je kan hier een gratis PDF van het eerste nummer bekijken.

The Paragon Press – Charles Booth

Peter Doig - Country Rock • 2001

Peter Doig – Country Rock • 2001

The Paragon Press (Londen) is een uitgeverij voor grafiek van hedendaagse kunstenaars. Sinds 1986 heeft de oprichter Charles Booth meer dan 100 projecten op zijn palmares staan.

De kunstenaars zelf hebben niet altijd een link met grafiek maar Booth weet door het aanbieden van zo een project de interesse te wekken in het medium. Sommige kunstenaars zijn na verloop van tijd grafiek als een belangrijk deel van hun oeuvre gaan zien zoals de Jake en Dinos Chapman, Anish Kapoor… 

De kunstenaars worden uitgenodigd om een portfolio te maken of deel te nemen aan een groepsportfolio. Het werk wordt uitgevoerd en gedrukt in samenwerking met meesterdukkers in de UK en Europa.

Booth werkte tot voor kort uitsluitend met Britse kunstenaars wat in de vroege jaren 90 van vorige eeuw op hoongelach en ongeloof werd onthaald door de toen overheersende markt van Amerikaanse kunstenaars, galeries en uitgevers. Sinds de opkomst van een nieuwe generatie kunstenaars, de zogenaamde Young British Artists is het ongeloof weggeëbd en het lachen verstomd.

Damien Hirst, Mat Collishaw, Gary Hume, Michael Landy, …,  zijn maar een paar namen van de volledige lijst Britart kunstenaars waar Booth met samenwerkt. De lijst die voordien uitsluitend kunstenaars uit de UK bevatte is sinds kort uitgebreid buitenlandse (vooral Duitse) namen zoals Bäselitz, Thomas Zipp, Kai Althoff, … Dit kan er op duiden dat er van Paragon Press interesse bestaat om meer met internationale namen te werken.

Naast een website met uitgebreide info over alle projecten heeft Paragon Press ook drie boeken uitgegeven met als titel “Contemporary Art in Print”. Daarin alle projecten en afbeeldingen op groot formaat. De boeken zijn prijzig maar mits een beetje zoeken soms goedkoper te krijgen. In oktober 2012 j.l. verscheen het derde boek.

Morrison Black Dahlia   Hume Spring angels   Damien Hirts

Kiki Smith – Prints, Books & Things

Prints

In 2003 liep in het MoMA de tentoonstelling Kiki Smith – Prints, Books and Things. Zoals de titel reeds laat vermoeden lag de focus op grafiek, bibliofiele boeken en multiples van Kiki Smith. De tentoonstelling ging toen gepaard met de uitgave van de catalogus met dezelfde titel die vandaag nog steeds actueel is. Het boek is een uiterst mooie uitgave en het MoMA had dan ook zijn best gedaan om dit boek goed te promoten. Dit onder andere via een prachtige website die ook de tentoonstelling begeleide. De website loop parallel met het boek maar heeft door zijn structuur heel wat meer in petto.

Mooi opgedeeld in thema’s, proces (in dit geval de ontwikkeling van de werken) en beelden geeft de site je een goed beeld van hoe Smith werkt om tot haar beelden te komen.

De thema’s zijn opgedeeld in de onderwerpen die Kiki Smith toen bezig hielden: anatomie, zelf portretten, natuur, de vrouwelijke context van het werk en haar vroege zeefdrukken. In die zeefdrukken uit de jaren 70 van vorige eeuw maakte ze deel uit van de groep Collaborative Projects, Inc. waarvan het werk zich voornamelijk richtte op plaatselijke maatschappelijke problemen. Smith bediende zich toen vooral van zeefdruk omdat het makkelijk was om fotografische beelden in te brengen en het seriële karakter van zeefdruk.

Het zijn vooral de latere thema’s die hebben bijgebracht tot haar bekendheid. Een groot stuk is nu nog steeds  vermengd met haar hedendaagse onderwerpen waarin vooral de kindertijd centraal staat.

Vanuit technisch en inhoudelijk oogpunt is het stukje Process het interessantste. Het geeft je aan de hand van de opbouw van vier beelden een uitzonderlijke kijk in de gedachtengang van zowel kunstenaar als meesterdrukker. Aan de hand van filmpjes, foto’s van de afzonderlijke staten die voortgang van het werk illusteren en de gesproken commentaar van zowel Kiki Smith als de meesterdrukkers krijg je een goed inzicht hoe een werk tot stand komt.

En dan zijn er natuurlijk nog de afbeeldingen. Alle werken die in het boek staan kan je hier afzonderlijk bekijken.  Alle afbeeldingen zijn voorzien van een knop om in en uit te zoomen, zo krijg je een goed beeld hoe rijk aan elementen de beelden wel zijn.

Mooi vorm gegeven, intelligent en speels opgebouwd blijft één van onze meest favoriete sites. Alleen spijtig dat dit een verkleinde versie is van de originele 2003 site.

Meer info over de beelden hier onder door er op te klikken.

Pool   Girl wit a bird   hailfullofgrace

What is a Print?

Print

What is a Print? Het MoMA (Museum of Modern Art,  NY) heeft deze uitstekende interactieve pagina op hun site staan die je op een heldere manier uitleg geeft wat de verschillende traditionele druktechnieken inhouden.

Aan de hand animatiefilms,  tekst en voorbeelden heb je vlug door hoe alles werkt bij hoogdruk (lino, hout en aanverwanten), diepdruk (ets), doordruk (sjabloon, zeefdruk) en vlakdruk (lithografie). Iedere techniek is vergezeld van een woordje uitleg over z’n geschiedenis en er zijn prima werken bijgevoegd die tonen wat mogelijk is.

Bij de grafische werken (o.a. Elisabeth Peyton, Terry Winters, Julian Opie, Pablo Picasso, James Ensor, Edward Hopper, enz.) is er steeds een informatie over het werk zelf of de aanpak van de kunstenaar. Soms zijn er per kunstenaar ook meerdere beelden, wat goed inzicht geeft in een reeks of  alternatieve druk.

De site is al een tijdje online en sommige links zijn verwijderd, maar een beetje zoekwerk kan geen kwaad op de uitgebreide site van het MoMA.

Steeds onderhoudend en er valt altijd wel wat te zien!

Gert & Uwe Tobias – Whitechapel, London

MP-TOBIG-00062-A-072

De tweeling Gert & Uwe Tobias blazen reeds een paar jaar nieuw leven in de techniek van de houtsnede. De broers maken alles omvattende tentoonstellingen waarin naast grote tot reusachtig houtsneden ook gouaches, keramische sculpturen, schilderijen en recent ook collages deel van uitmaken.

De Tobiassen hebben een stijl die op zijn minst erg persoonlijk mag genoemd worden. Eigentijds, kleurrijk, grotesk humoristisch maar met verwijzingen naar het historisch modernisme, (Oost-Europese) folk art, carnaval, typografie… Ze weten alles op een spontane manier aan elkaar te knopen.

Afkomstig uit Roemenië (Transylvania) groeiden de broers op tijdens het regime van dictator Nicolae Ceausescu. Ze verhuisden later naar Duitsland waar ze op het moment in Keulen hun thuisbasis hebben.

De Roemeense achtergrond speelt nog steeds hard mee in hun werk en de verwijzingen naar de  volkskunst komt tot uiting in hun expressieve, stevige kleurgebruik. Maar niet alleen daarnaar verwijst hun werk. Ook de invloed van de Russische avant-garde en het Constructivisme, in het bijzonder El Lissitzky, komen naar voor in het gebruik van de schrijfmachine als beeldend medium.

Veel werk leunt op een indirecte manier ook aan bij de Surrealisten. In hun werk komen figuren uit dromen tevoorschijn. Angsten zo oud als de mensheid zelf zijn er aanwezig. En toch zit er niet enkel een groteske kant aan. Als je goed toekijkt merk je, dat naargelang de focus, het werk op meerdere manieren bekijken te bekijken valt.

Iedere keer dat de broers een tentoonstelling geven ontwerpen ze een eigen poster, niet alleen een erg leuk idee maar ook alweer een verwijzing naar het belang van posters tijdens het Communisme.

Niet alle werk is op zichzelf even goed. Ernst en Uwe Tobias weten dit op te vangen door hun uitermate verfijnde opstellingen, waarbij vlakken en lijnen in specifieke kleuren op de muren een grote rol spelen. Deze manier van werken wat alles tot een geheel te maken waarbij mindere en sterke werken op elkaar inspelen en je het geheel ziet in plaats van de werken afzonderlijk.

In de Londense Whitechapel Gallery loopt binnenkort een tentoonstelling van de broers. Bij de Hatje Cantz verscheen het boek “Dresdener Paraphrasen”.

Hieronder via afbeeldingen links naar galleries die hun werk in huis hebben.

Tob Hout   Tob Abstract   Tob Kera Tob Whit   Tob Type

Richard Diebenkorn – Prints 1969-1991

Op de site van de galerie Greenberg-Van Doren in New York City kan je een mooi overzicht van het grafisch werk van de Amerikaanse kunstenaar Richard Diebenkorn vinden. Diebenkorn (1922-1993) wordt gezien als een kunstenaar die een overgangsfiguur is tussen het Amerikaans Abstract Expressionisme en het figuratieve van de Bay Area Figurative Movement. Diebenkorn werkte vanaf de jaren 60 vorige eeuw nauw samen met de jonge studio Crown Point Press in San Francisco. Hij bleef de studio trouw en werkte er aan een klein, maar uiterst verfijnd, oeuvre etsen en houtsnedes. Op de site zie je het werk evolueren van zuiver figuratief naar abstract. De subtiele kleuren in houtsnedes en etsen geven het werk een erg schilderkunstig gevoel. Ook voor het abstracte werk gaat Diebenkorn uit van de realiteit rondom hem. Eenvoudige afbeeldingen zoals schoppen en klavers uit het kaartspel worden herwerkt tot beelden die een eigen leven leiden en hierdoor een meerwaarde krijgen. Bij de grotere houtsnedes is het stedelijk landschap het uitgangspunt. De galerie heeft een catalogus uitgegeven die verkrijgbaar is via hun website.

Kiki Smith – Prints, Books and Things

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Enkele jaren geleden verscheen bij MoMA een prachtig boek Prints, Books and Things over het grafisch werk van Kiki Smith.

MoMA besloot rond de tentoonstelling en het boek een interactieve site te maken. De site is uitermate efficiënt in haar eenvoud. Opgedeeld in thema’s, techniek en afbeeldingen toont ze het rijke universum beeldend werk van Kiki Smith.

De vroege zeefdrukken, de anatomische werken, zelfportretten, natuur en beelden met feminiene context maken deel uit van de thema’s die Kiki Smith in die jaren onderzoekt. Alles is voorzien van een korte relevante tekst een geeft je de mogelijkheid om de werken te vergroten en rustig te bekijken.

De technieken die Kiki Smith hanteert worden in het deel techniek aan de hand van video’s en fotoreeksen over vier werken besproken. Je ziet Kiki Smith zelf werken en haar beelden van commentaar voorzien. Van twee werken zie je de volledige opbouw, wat trouwens erg interessant is om te zien hoe iemand als Kiki Smith met het beeld omgaat. Proces en juiste afweging zijn belangrijk om tot een goed resultaat te komen.

Het deel afbeeldingen geeft je een overzicht van de afbeeldingen in het boek. Na aanklikken kan je het beeld vergroten en beter bekijken.

De website is de perfecte aanvulling bij het boek. De makers van deze site slagen er in om op eenvoudige wijze veel inzicht in het werk en de procedés naar voor te brengen.

Het boek zelf is mooi vorm gegeven en voorzien van goede reproducties, geeft het boek een goed overzicht van wat Kiki Smith in de periode 1980-2003 maakte op gebied van reproduceerbare beelden. Niet enkel grafiek op zich maar ook bibliofiele boeken en multipels geven ons een kijk in het rijke universum van Kiki Smith. Hierin centraal de kwetsbare mens, natuur, de feminiene context  en de zelfportretten. Het is boeiend te zien hoe Kiki Smith deze onderwerpen de hare maakt en een oeuvre ontstaat dat zeer consistent is. Langzamerhand gaat alles door elkaar lopen, dieren en mensen worden één waarbij menselijke en dierlijke eigenschappen aan elkaar worden doorgegeven. Later zal dit onderwerp nog verder uitgediept worden in de series rond sprookjes. Hier speelt het verhaal van Roodkapje een belangrijke rol en dat is niet zo verwonderlijk. Dier en mens komen hier samen. De wolf wordt een figuur met zowel menselijke als dierlijke trekken. Ook de verschillende mogelijkheden tot interpreteren van het verhaal spelen natuurlijk mee. Kiki Smith maakt er terug iets voor volwassenen van zonder daarom de kinderlijke onschuld uit het oog te verliezen.

Impressions from South Africa – 1965 to Now

Het MoMa in New York bezit, naast een uitmuntende collectie, ook een prachtige website.

Reeds jaren volg ik hun tentoonstellingen, live en virtueel. Op de website niet enkel de gebruikelijke info maar ook een aantal zeer goede online tentoonstellingen met veel informatie (beeld, context waarin de werken gemaakt zijn en inhoud).  Zo ook de nieuwe site Impressions from South Africa – 1965 to Now.

Grafiek is in Zuid-Afrika niet enkel een artistiek medium. Het is veelvuldig gebruikt voor collectieve, politieke doeleinden. Dit wordt duidelijk in de vele posters, boeken, grafiek en muur stencils.

Door de apartheid, die bijna een halve eeuw duurde, werden veel zwarte én gekleurde kunstenaars buiten het (kunst)onderwijs en de normale kunst circuits gehouden. Dit gaf echter aanleiding tot alternatieve kunstencentra, scholen, grafische workshops, theaters en publicaties. Grafiek speelde een belangrijke rol. Doordat grafiek relatief goedkoop in aanmaak is, het element van samenwerking belangrijk is en makkelijk aanpasbare formaten heeft, kon het makkelijk ingezet worden voor bepaalde (politieke) doeleinden en was het ook voor de allerarmsten toegankelijk.

De online tentoonstelling focust op vijf verschillende delen.

Posters en activisme: hier werken die door activisten gemaakt werden. Ook William Kentridge behoort daarbij. De schreeuw om vrijheid en openheid komt hier duidelijk naar voor, soms geïnspireerd op een socialistisch symbolisme.

Linosnede, Rorke’s Drift en Verder: de linosnede heeft een lange geschiedenis in Zuid-Afrika. Doordat het goedkoop is, makkelijk te snijden en af te drukken zonder pers is het steeds aantrekkelijk geweest voor vele kunstenaars. De school van de Evangelical Lutheran Church (ELC) Art and Craft Centre in de omgeving van Rorke’s Drift speelde een belangrijke rol. Hier konden studenten les volgen bij zwarte kunstenaars. Vele studenten kozen voor linosnede en maakten er een medium van dat kon gebruikt worden voor politieke doeleinden.

Diepdruk: niet voor iedereen toegankelijk tijdens de jaren van apartheid. Kunstenaars als William Kentridge en Norman Catherine gebruikten het medium in die jaren om satirische aanklachten te maken tegen het regime. Hiermee volgden ze een oude traditie waarbij kunstenaars als Goya, Otto Dix, George Grosz hen voorgingen.

Fotografie in grafiek: fotografie kan makkelijk naar grafische technieken omgezet worden. Dit gaf voor een aantal kunstenaars de mogelijkheid om directe, documentaire representaties om te zetten naar meer genuanceerde beelden.

Nieuwe richtingen: hedendaags werk ontstaan tijdens een post-apartheid periode draagt veel mee uit het verleden. Duidelijk aanwezig is het uitdiepen van het verleden en de kritiek op het heden. Het werk sluit vormelijk ook meer aan bij hedendaagse manieren.

Deze website geeft een goed beeld van voor velen onbekend terrein binnen de grafische kunsten.

Het is een grote verdienste van het MoMa dat het zulke verzorgde en echt interessante websites over grafiek maakt.

Binnenkort hierover meer op onze blog.

Japanse houtsnedes van Chikanobu en Yoshitoshi in The Scripps College Collection of Japanese Prints-USA

The  Claremont Colleges Library, California, VS heeft +/- 1500 houtsneden van bekende en minder bekende namen in hun collectie.

Ongeveer 500 drukken zijn van de hand van Chikanobu en Yoshitoshi, bij ons minder bekende kunstenaars. De werken van deze twee grafici die in het Japan van midden 19de en vroeg 20ste eeuw leefden, zijn van een bijzondere kwaliteit.

Interessant om zien is hoe in de 19de eeuw en vroeg 20ste eeuw de Westerse levenswijze het Japanse (society) leven binnen sluipt. Er zijn tal van houtsnedes te vinden op de Claremont Colleges Digital Library die dit uitbeelden.

De beelden komen uit de verzameling van The Scripps College Collection of Japanese Prints. Je kan de beelden in de digitale bibliotheek keurig stuk per stuk bekijken. Er is bij ieder beeld uitgebreide info voorzien over de inhoud van het werk en met een handige tool kan je makkelijk inzoomen, wat het verkennen van het beeld aangenamer maakt.